El realismo en el arte, claro, es de vieja data. Gaviria, que no padece la angustia de las influencias, rinde en Rodrigo D. un homenaje a Umberto D., un clásico del neorrealismo italiano. El credo neorrealista de filmar la vida en sus propias condiciones (la vida desnuda) es apropiado por el director antioqueño y llevado a un extremo. A las locaciones naturales se suma el actor natural, y ese actor tiene escrita en su cuerpo una historia: a través de sí habla la tradición. Para Gaviria, poeta, el lenguaje es la casa del ser, el lugar desde el cual habitamos una cultura. Por eso su convicción de que el modo de hablar de sus personajes, siempre colectivo, no puede ser traicionado. Así como Gaviria usa las claves del neorrealismo italiano, sus protagonistas canibalizan la cultura del punk. Pero la apropiación nunca es simple imitación.
Tras ser una de las películas que marcó la historia de videoclips en Antioquia, resulta inquietante saber que en esa época el punk era un género que estaba tan adaptado que inclusó llegó a ser la parte de la banda musical de una película tan reconocida
http://www.revistaarcadia.com/impresa/especial-arcadia-100/articulo/arcadia-100-rodrigo-d-no-futuro-victor-gaviria/35094
lunes, 2 de noviembre de 2015
LECTURA 12 SOBRE VANGUARDIAS MUSICALES EN AMÉRICA
La propia naturaleza de la música hace que ésta se encuentre vinculada a la comunicación entre un compositor, un intérprete y un oyente por otro lado el fenómeno musical en general está constituido por patrones sonoros socialmente aceptados.
En el siglo XX hay una serie de fenómenos que hacen que la dimensión social de la música cambie respecto a etapas anteriores. Si se analiza detalladamente uno de dichos cambios fue la aparición de nuevas vanguardias musicales.
En el siglo XIX empezaban a vislumbrarse separaciones entre la figura del intérprete y compositor y del otro lado entre el músico y los gustos del oyente. Al respecto, se solía comentar que “el músico hace música como le sale del alma”. Esto, dándose en la época más pura de la estética: el romanticismo.
La influencia en la sociedad de las dos guerras mundiales hace que los compositores apuesten por nuevas ideas creativas, alejándose así del sistema tonal predominante en las composiciones musicales de principios del siglo XX.
Corrientes como el Futurismo, el dodecafonismo o el serialismo integral, no son asimiladas con facilidad por el público, acostumbrado durante siglos a composiciones tonales. Todo esto hace que el sistema de financiación de los eventos musicales varíe, ya que el oyente acude mucho menos a escuchar este tipo de música. Por ello los compositores e intérpretes se vieron en la necesidad de buscar otro tipo de fuentes de ingresos.
- Futurismo: es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista.
- Serialismo Integral: representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creado por Pierre Boulez, usándolo por primera vez en su obra "Estructuras I" se establece un orden no sólo para la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones y la sucesión de las dinámicas. Todas estas series se repiten durante el transcurso de una obra.
- Dodecafonismo: es una forma de música atonal, con una técnica de composición en la cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas a una relación ordenada que no establece jerarquía entre las notas.
LECTURA 11 MÚSICA AFRO Y NACIÓN LA HERENCIA DE TRES CULTURAS
La “cultura musical” de los miles de africanos que llegaron a nuestro territorio entre los siglos XVI y XVII, así como la de sus descendientes, han sido fundamentales en los diferentes procesos de conformación de la personalidad musical colombiana. Entiendo como “cultura musical” el complejo de conceptos sonoros, construcciones teóricas, preferencias por determinadas sonoridades e instrumentos musicales y formas de interpretarlos; así como modos y esquemas de gestualidad, de cantar y bailar, y le presencia de un arte verbal- música y de modelos de interacción músico-sociales.
Sin embargo, lo que llamo cultura musical de origen africano es algo monolítico, sino un conjunto de diferentes tradiciones musicales muy heterogéneas entre sí, aunque con elementos básicos comunes. Muchos de éstos, están presentes en la actualidad en la música urbana colombiana, así como en la de grupos de indígenas y campesinos de diferentes linajes étnicos.
MÚSICA SOBRE COMUNIDADES NEGRAS
COMUNIDADES NEGRAS .
La música afroamericana (también llamada música negra) es un término dado a una serie de músicas y géneros musicales, como son el blues, el ragtime, el jazz, el gospel, el soul o el hip hop, que provienen de o están influenciados por la cultura de la comunidadafroamericana.
Esta comunidad desde hace siglos ha constituido una minoría étnica de la población estadounidense. Algunos de sus antepasados fueron traídos originalmente a Norteamérica a la fuerza para trabajar como pueblos esclavos, trayendo con ellos cancionestípicamente polirítmicas de grupos étnicos tanto de África occidental como del África subsahariana. En los Estados Unidos, como se fusionaron las culturas, múltiples tradiciones culturales africanas fueron fusionándose progresivamente con otras músicas tradicionales europeas, como la polka o el vals. Más tarde se dieron periodos de considerable innovación y cambio. Los géneros afroamericanos han sido muy influyentes a través de distintas clases socio-económicas y raciales internacionalmente, disfrutando de popularidad a nivel global. La música afroamericana y todos los aspectos de la cultura afroamericana son celebrados durante el Mes de la Historia del Negro en febrero de cada año en los Estados Unidos.
Además de aportar características armónicas y rítmicas del África occidental y subsahariana a los estilos musicales europeos, fue la condición de cautiverio padecida por los negros dentro de la sociedad americana la que contribuyó a las condiciones que definirían su música. Muchas de las formas musicales que definen la música afroamericana tienen precedentes históricos. Estas formas primigenias incluyen elementos como:
- Canción de trabajo
- Llamada y respuesta
- Vocalidad (o efectos especiales de voz): efecto gutural, vocalidad interpolada , falsete, melisma, ritmización vocal.
- Improvisación
- Escala pentatónica y escala de blues.
- Nota de blues
- Polirritmia: síncopa, concrescencia, tensión, improvisación, percusión, nota oscilada
- Textura: antifonía, homofonía, polifonía, heterofonía
- Armonía: progresiones vernáculas; armonia compleja y multiparte, como en los espirituales negros y el estilo barbershop
LECTURA 10 EL CONJUNTO DE GAITAS EN COLOMBIA
George List
El conjunto de gaitas fue uno de las principales combinaciones instrumentales empicadas para acompañar la danza en el litoral atlántico de Colombia. En el pasado, según mis informantes, había un conjunto de gaitas casi en cada pueblo y en cada villa. Con la influencia penetrante del fonógrafo y la radio, sólo unos pocos conjuntos de este tipo subsisten en nuestros días. Sin embargo, en el período entre 1964 y 1968, me fue posible grabar y entrevistar a tres de estos grupos, todos ellos en la provincia central de Bolívar, cuya capital es Cartagena.
Gaita hembra y gaita macho
Las gaitas hembra y macho son del mismo largo, aproximadamente de unos 90 centímetros, con un diámetro interior de unos dos centímetros. El tubo se fabrica con e! tallo de una planta espinosa conocida con e! nombre de cardón.
Cabezas de gaita
Al tubo se le agrega una cabeza hecha con cera de abeja y carbón vegetal. En la cabeza se inserta el cañón de una pluma de pavo de tal modo que romper la columna de aire que se sopla en el tubo: parte de la columna aérea entra en el tubo, y la otra parte se escapa por un orificio practicado con este fin. Sin duda alguna esta flauta es indígena. No se tiene prueba sólida de que este instrumento exista en en Africa o en Europa.
LECTURA 9 HISTORIA DE UN MAL ENTENDIDO Shopenhauer y Wager
La noche del 2 de enero de 1869 Wagner y Cosima von Bülow, escudarían en su biblioteca, en Tribschen, en busca de algo para leer después de la cena. Según Cosima, descartan a Platón: el libro está en malas condiciones y necesita ser encuadernado de nuevo. Walbnstein de Schiller también es pasado por alto, pues lo habían leído pocas semanas antes. Una obra del dramaturgo español Pedro Calderón de la Barca es rechazada como "demasiado sentimental". Shakespeare también es dejado a un lado, y, finalmente, los dos se deciden por algunos pasajes de la Odisea. Cinco semanas más tarde, el 11 de febrero de 1869, Calderón entra en el diario de Cosima, con una aguda intuición del mismo Wagner, idea directamente relacionada con Parsifal, todavía en el fondo de su subconsciente, esperando a ser compuesta unos nueve años después: "Hablamos mucho acerca de Calderón. R. hace hincapié especial en cómo en los dramas de Calderón, después que los personajes han literalmente agotado toda su pasión, llega el momento en que experimentan una repentina reversión de la voluntad, y un ánimo de completa resignación los desvía de sus violentas acciones, haciéndolos aparecer magnánimos y nobles".
Esta interpretación del destino de los protagonistas de Calderón es sumamente errónea, casi nietzscheana en su perversidad. Lo más seguro es que Calderón mismo no hubiera sabido de qu8 hablaba Wagner. Por ejemplo, en el drama secular más renombrado de Calderón, La oída es sueño, aparece un bárbaro protagonista llamado Segismundo, príncipe y futuro rey de Polonia, que ha sido injustamente encarcelado por su padre, alarmado por los malos presagios que habían acompañado su nacimiento. Se implica que la astrología ha predicho y quizá determinado el carácter vicioso de Segismundo en la primera parte del drama.
De todas maneras, el contacto directo de Wagner con la obra de Calderón parece escaso. Tal vez porque un genio como Richard Wagner absorbe a un predecesor en apariencia menor, Calderón de la Barca, que después desaparece dentro del cuerpo de ese imperioso apropiador, Wagner. Este leyó a Calderón con servil obediencia a los principios filosóficos generales de Schopenhauer, y eso origino, a la vez, su creciente impaciencia para con el maestro español. Pero Schopenhauer no pudo entender, ni entendió, la visión del mundo de Calderón, aunque Calderón representa la esencia de la teoría de la "tragedia cristiana" de los filósofos. La intercesión de Schopenhauer es esencial para comprender este malentendido.
LECTURA 8 LA ESTRUCTURA DEL LENGUAJE MUSICAL
El concepto o la idea que se ha tenido de música a través de la historia, debemos afirmar que ha sido protagonista en todo tipo de manifestaciones culturales de diversa naturaleza y que, contra lo que comúnmente se tiene entendido, ha etado revisada de muy diferentes funciones: desde la mágica y ritual de los chamanes de las tribus o de los ritos órficos, en los que se utilizaba con propiedades terapéuticas, a la puramente práctica, donde la música se utilizaba para obtener resultados determinados como la preparación de los soldados para la guerra, la propaganda del poder imperante o el acompañamiento del baile o teatro. Entre estos extremos existen un amplio abanico de posibilidades como la función religiosa, enfatizada desde la Antigüedad como forma de comunicación más elevada y superior, a ala meramente lúdica para simplemente producir una sensación placentera, función que curiosamente domina en la actualidad, como heredera de los postulados románicos que defendían la autonomía de la música instrumental, siendo considerada como la más superior de las artes por su poder de expresar lo inexplicable con la palabra. A estas funciones habría que añadir la comunicativa y la social, quizá una de las más importantes junto a la función lúdica en nuestros días.
A lo largo de la historia, pues, la reflexión sobre el concepto de música ha sido una constante, aunque la estética musical como disciplina consta de poco más de dos siglos de historia. Las definiciones se han centrado desde los aspectos más físicos de la música, es decir, el material acústico (tradicionalmente el sonido, aunque se han incorporado otras materias primas como el silencio y el ruido) a las ideas intelectuales y metafísicas (estética musical) pasando por los procesos psicológicos de percepción y la consideración de música como lenguaje, arte o ciencia.
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